第四讲　外光描写的群画家：印象派画风与画家

他们憧憬于色彩，赞美太阳。凡是有光明的地方，不问何物，都是他们的好画材。所以他们的画面只见各种色条的并列，近看竟不易辨别其所描为何物。起初以光的效果（即印象）为第一义，以内容及形骸为第二义；终于脱却形骸而仅描印象，于是画面只是色彩光的音乐，仿佛“太阳”为指挥者而合奏的大曲。

从前的画家，作画大都是在室内想象出来的（与中国画家的办法相似）。例如，米勒常常在野外散步，得到了感触，回到家里的小画室来作画。又如古典派浪漫派的画家，所描的是复杂的群众，古代的状况，或神鬼的世界，更加非凭想象不可。自印象派起，画家始舍弃了想象而作写生画，走出了人工的光线的画室而到野外的天光下面来作画。这是印象派画家的一大创举。

一、光的诗人

印象派的画风，在西洋画坛上是一大革命。这是根本地推翻从前的作画的态度，而在全新的立脚地另创一种全新的描法。今昔的异点，极简要地说来，是what与how的差异，即从前作画注重“画什么东西”，现在作画注重“怎样画”。

试看中世的绘画，所描的大都是耶稣、圣母、圣徒、天使，或“晚餐”“审判”“磔刑”“升天”。近世初叶的大卫与德拉克洛瓦（均见序讲）的大作，也都是宫廷描写，战争描写，就是最近的米勒与库尔贝（均见第一讲），也脱不出农民劳动者的描写，虽然对于自然的写实的眼已经渐开，然而并未看见真的自然，也不外乎在取劳动者、农民、田园为材料，而在绘画中宣传自己的民主的思想而已。数千年来绘画的描写都是注重what的，至于how的方面，实在大家不曾注意到。印象派画家猛然地觉悟到这一点，张开纯粹明净的眼来，吸收自然界的刹那的印象，把这印象直接描出在画布上，而不问其为什么东西。即忘却了“意义的世界”，而静观“色的世界”“光的世界”，这结果就一反从前的注重画题与画材的绘画，而新创一种描写色与光的绘画。色是从光而生的，光是从太阳而来的。所以他们可说是“光的诗人”，是“太阳崇拜的画家”。

【明】王履所作《华山图》，采用典型的北宗画法，强调块面结构，风格刚劲有力，适合表现多石山体

在绘画上，what与how何者为重？从艺术的特性上想来，绘画既是空间美的表现，当然应该注重how，即当然应该以“画法”为主而“题材”为副。所以印象派在西洋绘画上不但是从前的翻案而已，确是绘画艺术的归于正途，获得真的生命，这一点在中国画中早已见到，这我想是中国画优于从前的西洋画的地方。四君子——梅、兰、竹、菊，山，水，石，向来为中国画中的普通的题材。同是“兰”的题材，有各人各样的描法；同是“竹”的题材，也有各人各样的描法；同是一种山水，有南宗画法、北宗画法；同是一块石，有麻皴法，荷叶皴法，云头皴法……题材尽管同一，画法种种不同。这等中国画比较起宗教、政治、主义的插画似的从前的西洋画来，实在富于“绘画”的真义，近于纯正的“艺术”。有高远的识眼的人大都不欢喜西洋画而赏赞中国画。这大概也是其一种原因吧。

这样说来，印象派与中国的山水花卉画同是注重“画画”的。不过中国的山水花卉画注重画面的线、笔法、气韵；而西洋的印象派绘画则专重画面的“光”。如前期所说的印象派首领画家莫奈，对于同一的稻草堆连作了十五幅画，把朝、夕、晦、明的稻草堆的受光的各种状态描出，各画面作成一种色彩与光的谐调。他是外光主义的首创者。步他的后尘的有许多画家，都热衷于光的追求。他们憧憬于色彩，赞美太阳。凡是有光明的地方，不问何物，都是他们的好画材。所以他们的画面只见各种色条的并列，近看竟不易辨别其所描为何物。起初以光的效果（即印象）为第一义，以内容及形骸为第二义；终于脱却形骸而仅描印象，于是画面只是色彩光的音乐，仿佛“太阳”为指挥者而合奏的大曲。他们处处追求太阳，赞美太阳，倾向太阳。“向日葵”可说是这班画家的象征了。

莫奈是最模范的向日葵派的画家。他的“稻草堆”连作十五幅，其实与“稻草堆”无甚关系。只是各种的光与色的配合的效果，不名之为稻草堆亦可。写实派的米勒也曾画过农村风景中的稻草堆。然而用意与莫奈大不相同，米勒所见于稻草堆的是其农村的、劳动的意义，莫奈所见于稻草堆的是其受太阳的光而发生的色的效果，所同者只是“二人皆描稻草堆”的一事而已。莫奈连作稻草堆之外，又连作“水”，水的名作，有《泰晤士河》《威尼斯》《睡莲》等，又有一幅直名之为《水的效果》。这等作品中有几幅全画面是一片水，并不见岸，水中点缀着几朵睡莲。这种作画法，构图法，倘用从前的绘画的眼睛看来，一定要说是奇特而不成体统的了。然而莫奈对于单调的一片水所有的光与色的变化，有非常的兴味。他热衷于水的研究的一时期，曾以船为画室，常住在船中，一天到晚与水为友，许多水的作品便是在那时期中产生的。

【清】王原祁所作《华山秋色图》，采用南宗画法，强调线型结构，风格挥洒自如，适合多现多土山体

《睡莲》（Water Lilies）系列作品之一，克劳德·莫奈创作于1919年，现藏于美国纽约大都会博物馆

稻草堆，水面，倘用旧时的眼光看来，实在是极平凡极单调的题材。印象派以前的西洋画，可说是理想主义支配的时代。作画先须用头脑来考虑，选取noble subject（高尚的题目）为题材，然后可以产生大作。看画的人，对于画也首先追求意义，画的倘是圣母、圣徒，看者先已怀着好感。同样的笔法，同样的色调，拿来描写皇帝的“戴冠式”，就是伟大的作品；描写村夫稚子的日常生活，就没有价值。米勒、库尔贝的时代，也不过取与前者反对的方面的题材（下层生活、劳动者、农民），作画的根本的态度实与古典主义、浪漫主义的时代无甚大差。因为向来如此，故对于描着一堆无意义的稻草，或一片无意义的水面的绘画，自然看不惯了。这是因为如前所说，根本的立脚不同的缘故。即以前重视题材（内容），现在讲究描法（形式）。描法讲究的程度深起来，结果就全然忽略题材。对于这种新绘画，倘能具有对于形式美（色彩光线的美）的鉴赏眼，换言之，对于纯绘画的鉴赏眼，自然可以感到深切浓重的兴味。但在没有这较为专门的鉴赏眼，而全靠题材维持其对于画的兴味的人，对于这堆稻草或这片水就漠然无所感觉，真所谓“莫名其妙”了。

《基督被解下十字架》（The Entombment），米开朗基罗创作于1500—1501年间，现藏于英国伦敦国家美术馆

这样看来，绘画的进于印象派，是绘画的技术化，专门化。除了天天在画布上吟味色调的专门技术家以外，普通一般的人少能完全领略这种绘画的好处。因为无论何种专门的技术，必须经过相当的磨炼，方能完全理解其妙处，绝不是素无修养的普通人所能一见就可了解的。从前的绘画，题材以外原也有技术的妙处，例如文艺复兴期的米开朗基罗（Michael Angelo）的有力的表现，拉斐尔（Raphael）的优美的表现，达·芬奇（Leonardo）的神秘的表现，原是对于其技术的鉴赏的话；然而除这种专门的技术鉴赏以外，幸而在题材上米开朗基罗所描的是“最后的审判”，拉斐尔所描的是“圣母子”（Madonna），达·芬奇所描的是“最后的晚餐”，所以在不理解其技术的“有力”“优美”或“神秘”的一般人，也尚能因其题材而感到这等画的兴味。何以故？因为“审判”“圣母子”“晚餐”是普通一般人都懂得，都有兴味，都怀好感的。他们虽不能完全鉴赏这等大作，然至少能鉴赏其一面——题材的方面。然而现在的印象派，技术比前深进了，技术深进的结果是忽视题材，于是不理解技术的一般人要从其画中探求一点题材的美，而了无可得，就全部为绘画的门外汉了。

这正是因为印象派画家是“光的诗人”的缘故。普通用言语为材料而作诗，他们用“光”当作言语而作诗。普通的言语人人都懂得，但“光的言语”非人人所能立刻理解。要读他们的“光的诗”，必须先识“光的言语”“色的文字”。要识光与色的言语文字，须费相当的练习，这练习实在比普通的学童的识字造句更为困难。何以故？普通的文字在资质不慧的儿童也可以用苦功熟识，谙诵，而终于完全识得应有的文字，能读用这种文字做成的书；但光与色的文字，不能谙诵或硬记，是超乎言语之外的一种文字，故对于这方面的天资缺乏的人，实在没有方法可教他们识得。色的美与音的美是一样的。谐调的色与谐调的光只能直感地领会，不能用理论来解释其美的所以然。所以关于绘画音乐的教育，理论其实是无用的。有之，亦只是极表面的解释；倘有人不解音乐与色彩的美而质问我们do mi sol三个音为什么是协和的，黄色与紫色为什么是谐调的，我们完全不能用言语来解答。强之，只能回答说：“听来觉得协和，故协和；看来觉得谐调，故谐调。”倘然像物理学者的拿出音的振动数比来对他说明这音的协和的理由；拿出Spectrum七色轮来对他说明黄与紫的谐调的理由，则理论尽管理论，不解尽管不解，学理是一事，美感又是别一事，二者不但无从相通，且恰好相反。越是讲物理，去美的鉴赏越是远。

《圣母子》（Madonna and Child），拉斐尔创作于1502年，现存于德国柏林画廊

不必说“光的诗”的印象派绘画，就是普通言语作成的“文学”，在缺乏美的鉴赏的人也是不能完全理解的。他们看小说只看其事实，只在事实上感到兴味。这与看绘画只看题材（所描事物意义），只在题材上发生兴味了无所异。莫泊桑的《项链》（Necklace）使得多数人爱读，只是因为其中记录着遗失了借来的假宝石，误以为真宝石而费十年的辛勤来偿还的一段离奇故事的缘故。英国新浪漫派的绘画（见前讲《近世理想主义的绘画》）使一般人爱看，只是因为其描写着莎翁剧中的事迹的缘故。认真能味得言语的美、形、线、色调、光线的美的人，世间有几人呢？

只有音乐与书法，可以没有上述的错误的鉴赏。因为音本身是无意义的，字的笔画本身也是无意义的。文学与绘画必须描出一种“事物”，音乐没有这必要，文字——如果不误作文句、文学——也没有这必要。故二者可以少招误解。招误解固然比文学绘画少得多，然而理解者也比文学绘画少得多。可见纯粹的技术，是普通一般人所难解的，所怕的。

《最后的晚餐》（The Last Supper Before Restoration），达·芬奇创作于1495—1498年间，现存于意大利米兰格雷契修道院餐厅

《游船上的午餐》（The Boating Party Lunch），雷诺阿创作于1881年，现藏于美国华盛顿菲利普收藏馆

所以要理解“光的诗”的印象派绘画，最好取听音乐的态度，或鉴赏书法的态度。高低、久暂、强弱不同的许多音作成音乐美；刚柔、粗细、长短、大小、浓淡不同的许多线作成书法美。同样，各式各样的光与色的块或条或点作成印象派的绘画美。这绘画美就是所谓“光的言语”“色的文字”。真正懂得音乐美的人可不问曲的标题，所以乐曲大都仅标作品号码；真正懂得书法的人可不责备字的缺损或脱落，故残碑断碣都被保存为法帖。同样，真正懂得绘画的人也可不问所描的是何物，故稻草堆与水面可连作十数幅。

《在海边》（By the Seashore），雷诺阿创作于1883年，现藏于美国纽约大都会博物馆

“太阳崇拜的画家”“光的诗人”“向日葵的画家”，他们不选择事物，但追求光与色的所在。美的光与色的所在，不论其为何物，均是美的画材。因了这主张，莫奈以后群画家，就分作两种倾向：一是纯粹的风景写生的画家，即西斯莱与毕沙罗；二是现代生活表现的画家，即雷诺阿与德加，他们都是法国人。

因为追求光与色，故自然倾向于光色最丰富的野外的风景的写生。因为不择事物，故自然不必像从前取noble subject（高尚的题目）为题材，而一切日常生活，琐事细故，只要是光与色的所钟，无不可取为大作品的题材了。

二、风景写生

讲到风景画，要让中国人占优先了。平均而论，可说中国画以自然为本位，西洋画以人物为本位。中国在唐以前原也注重人物画，例如汉武帝时的凌烟阁功臣图，汉宣帝时的麒麟阁功臣图，晋代的佛像画，顾恺之的《女史箴图》，皆以人物为题材；但自刘宋开始渐渐注重山水画。至唐宋而山水画独立，且视为绘画的最正式的品位，直至今日。西洋则不然，印象派以前，即十九世纪以前，差不多全是人物的绘画。试看希腊罗马，埃及的古代雕刻或壁画，大部分是人物。中世的绘画简直没有一幅不以人物为主题。近世古典主义、浪漫主义的绘画，也是人物画占大多数的。中国人为什么赞美自然，西洋人为什么赞美人生，这我想来一定与思想文化有深切的关系，是兴味深长的一种研究，但这须得去请教文化研究的专门者。现在只能晓得中国画自1500年以来早已优于自然风景的描写，而西洋画则一百年以前统是人物本位的描写，至印象派而始有独立的风景画。

试看文艺复兴期的绘画，米开朗基罗的天井画，大壁画，《最后的审判》，达·芬奇的《最后的晚餐》，差不多满幅是人物的堆积；拉斐尔的《圣母子》都是肖像画格式的装配。即使有背后一两株树，或几所房屋，或前面一点草地，然都当作人物的背景，且远近法、空气、光线均不是写生的，只是一种装饰风的配列或历史画的描写。假如这人物是在意大利的，背后就加描一点意大利建筑或风景，是在荷兰的，背后规定加描一个风车，以表示荷兰地方。全是一种装饰的、附属的点缀，毫无风景本身的生命。回头看中国画，恰与之相反，满幅的山水中，难得在桥上添描一个策杖老翁，或在屋中独坐一位读书隐士。即以风景为本位，人物为点缀，与西洋画适为正反对。几千年来忽略过的风景，一旦被印象派画家所注目，而立刻赋以生命，使之独立。这实在不可不说是印象派的大发明，对于欧洲画坛的大贡献！

西洋风景画到了印象派而独立。然滥觞于何时？进行顺序如何？考研起来是很有兴味的事。据批评家说，西洋纯粹的风景画的创始乃在文艺复兴期。达·芬奇的一幅风景素描是西洋的第一幅风景画。自此至印象派的风景画独立，一共经过五个阶段，即：

1.十五世纪达·芬奇——风景画创始。

2.十七世纪荷兰画家伦勃朗（Rembrandt）。

3.十八世纪末英国风景画家透纳与康斯坦勃尔。

4.十九世纪中法国丰登勃罗，森林中的田园画家米勒等。

5.十九世纪末印象派画家——风景画独立。

达·芬奇的那幅《风景素描》，是风景画上很可贵的纪念物，然论到技法，构图散漫，远近法幼稚，与今日风景画不可同日而语，只宜于为某事件的背景之用，却没有“背景”以上的意义。然而在当时，达·芬奇居然能大胆地描出这幅纯粹的风景画，实在已是极可钦佩的独创了。自从这画（1473年）到十七八世纪的二三百年间的后期文艺复兴诸画家，只晓得拼命模仿米开朗基罗的《最后的审判》、拉斐尔的《圣母子》、达·芬奇的《最后的晚餐》。提香（Titian）模仿达·芬奇的《蒙娜丽莎的微笑》而作《花神》（Flora），丁托列托（Tintoretto）模仿米开朗基罗而再作《审判》，又模仿达·芬奇而再作《晚餐》，而对于达·芬奇所着手开辟的风景画的新领土，曾无一人来帮一臂的力，徒劳地在这二三百年中反复前人的已成之业，真是可惜的事！

《风景素描》（Study of a Tuscan Landscap），达·芬奇创作于1473年

直到了十七世纪，始有荷兰画家出来完成风景画。除伦勃朗遗留几幅油画及素描的风景画以外，还有许多赞美其国土的荷兰风景画家。因为为海洋的水蒸气所融化的柔和美丽的荷兰风光，必然牵惹其地的画家的注意。他们的仔细的观察眼渐渐能理解复杂的自然界的现象，渐渐会得远望、伏瞰等透视法，空气远近法，因时间而起的光线的变化，云的变幻等。在后他们又发见太阳光线的不思议的作用，月光的魅力，而行主观的情绪的表现。描写辽远的地平线、暗的森林、热闹的海岸、单调的海面、市街的状况等种种风光的因了时间与季节而起的变化。

追随荷兰画家的足迹的，是自十八世纪末至十九世纪初的英国水彩风景画家。透纳描写海景，康斯坦勃尔描写林景，鲜明活跃地表出岛国的英伦的风物。其作品至今日仍是风景画上的珍品。

承继他们之后的是隐居在丰登勃罗林中的一班法国画家。即1830年成立的所谓丰登勃罗派。其人即柯罗、卢梭、米勒等，又称为“巴比松画派”（参看第二讲）。那时候著《爱弥儿》（Emile）的卢梭（Jean-Jacques Rousseau。注意：卢梭知名者共有三个，两个是画家，一个就是著《爱弥儿》的文学家）正在高呼“归自然”，这画家的卢梭起共鸣，也高唱“归田园”“归木树”。柯罗从之，专写大树；米勒也起来专写农民生活。还有许多自然赞美的画家（见第一讲）。这等画家的努力所得的收获，便是库尔贝的“写实主义”。这收获由印象派的马奈重新补足修正，入太阳崇拜的群画家之手而达到其终极的完成。

风景画虽然不是印象派画家所始倡的，然以前的只在发达的途中，真的风景画的独立的生命，是由印象派画家赋予的，请述其理由于下。

原来以前虽早有荷兰、英国、丰登勃罗诸风景画家，然而他们的风景都不是野外的直观的写生。读《米勒传》可知米勒是常于朝晨或傍晚漫步山林中，收得其材料，储在脑中，回到自己的小小的画室中来作画的。英国的康斯坦勃尔及写实主义的库尔贝等虽曾作野外写生，然据说是仅在户外撮取略稿（sketch），正式的作品仍是回到画室中后依据略稿而细写的。总之，这班画家身边带一册速写簿（sketchbook），出外时记录其所见所感于这簿中，归画室制作时即以此簿为材料的储藏所，随时取用。所以在画法上，实与从前的人物画家无所差异，只是改变人物的题材为风景而已。

《夜巡》（The Nightwatch），伦勃朗创作于1642年，现藏于荷兰阿姆斯特丹国立博物馆

《暴风雪》（Storm），威廉·特纳创作于1842年，现藏于英国伦敦泰特不列颠美术馆

到了印象派，画法就全新了。他们的户外写生并非撮取画稿，乃是全部制作在外光之下描出。在印象派画家，画室已没有用，旷野是他们的大画室，户外写生是作画的必要的条件。在他们，不看见自然，不面接自然，不能下一笔。这是因于他们的作画的根本的态度而来的。他们追求太阳，他们要写光的效果、色的变化，当然非与自然当面交涉不可。现今的美术学生惯于背了画架、三脚凳、阳伞，到野外去写生，以为这是西洋画的通法，其实五六十年以前在西洋并无这回事，这是新近半世纪中才通行的办法。试按这办法推想，可知由此产生的绘画，与从前的空想画，或收集材料在速写簿上而归家去凑成的画，其结果当然大不相同了。即以前的是死板板的轮廓、大意、极外部的描写；现在则是真果捉住自然的瞬间的姿态，捆住活的自然的生命。他们对自然与对人物一样看法，他们把自然的一草一木看作与人物一样的有生命的事物，而描表其个性，所以说，风景画到了印象派而始有生命。

印象派的两元老马奈、莫奈，是适用外光描法于人物及风景两方面的。由这二老派生后来的四大印象派画家。即：

1.毕沙罗（Camille Pissarro，1831—1903） 是有“印象派的米勒”的称号的田园专门画家。他与米勒是同乡，生于诺曼底。性情朴素，也与米勒相似。不过没有米勒的宗教的敬虔的态度与叙事诗的感情。这正是他具有现代人的现实主义的透彻的意义的缘故。他是犹太系统的人，起初父亲命他学商，1855年以后始转入艺术研究。他的犹太人的性格，在他的作品中很表出着特色。他的所以能有现实主义的彻底的冷静的理性，与明确的观察，实在是因为有这犹太人的性格的缘故。所以他没有像拉丁人的憧憬与陶醉，而取细致的分析家的态度，研究农夫的紫铜色的肩上所受的光线的变化，描写投于绿色的牧场上及小山的麓上的透明的白日，而创造一种迫近自然的清新的趣味。1864年以后，努力作画，差不多每年入选于Salon。初期的画带黄色的调子，尚未脱离柯罗的传统。后来加入印象派群中，次第改用明色。他对于印象派的贡献，是色彩的Decomposition（分解）。即照莫奈的法则，把色彩条纹或点纹的并列，这原是印象派共通的技法。他亦曾加入点彩派即新印象派（见次讲），然表比他们自由。其作品多稳雅的平和的趣味。晚年身体病弱，不能到野外去写生，常在室内从窗中眺望巴黎的市景，生动地描出其姿态。故他的作品，初期描农妇，中期描风景，后期描市街，描Ronen的桥，描车马杂遝的市街、巴黎的景物。唯物主义者的他，及于印象派的人们的影响很多。

《蒙马特大街》（Boulevard Montmart），卡米耶·毕沙罗创作于1897年，现藏于俄罗斯圣彼得堡赫米塔吉博物馆

《洗衣妇》（Washerwoman, Study），卡米耶·毕沙罗创作于1880年，现藏于美国纽约大都会博物馆

2.西斯莱（Alfred Sisley，1839—1899） 与毕沙罗同为印象派的风景专门画家。生于巴黎，其父母是意大利人，生计甚裕。他青年时就非常欢喜绘画。二十三岁时与莫奈及雷诺阿同学，一致地趋向印象派的倾向。他的出全力从事制作，乃在1870年以后。其画风注重光的表现，为当时多数青年所崇仰。题材多取温和的自然，而深的绿水旁边的森林，百花烂漫的春日的田舍，尤为其得意的题材。其色彩比马奈强烈，印象也深，但情景中全无激烈的分子。

西斯莱后半世生涯甚贫乏，全靠卖画度日。当时有一个爱好美术的朋友，叫作谟雷，对于西斯莱有不少的帮助。谟雷是一位开糖果店的商人，而酷嗜美术。他看见西斯莱等穷得没有吃饭的地方，就特为他们开一饭店，供给这班穷画家吃饭。西斯莱与后述的雷诺阿有赖于这人最深。

《春日的果园》（Orchard in Spring），阿尔弗莱德·西斯莱创作于1881年，现藏于荷兰鹿特丹博伊曼斯·范伯宁恩美术馆

《草地》（Meadow），阿尔弗莱德·西斯莱创作于1875年

三、现代生活表现

如前所述，印象派画家追求光与色，凡光与色的所钟，不拘其是什么事物，都是他们的得意的画料。用这态度来描写人物画，就是现代的日常生活的表现。

从前的人物画如浪漫派、古典派，专描优雅的贵族的生活，或浪漫的恋爱的情景。自马奈作了《草地上的午餐》以后，凡都市、平民、酒场、娼妇、丑恶诸题材，都可取入“色彩的谐调”的世界中而化为美的绘画了。适用这原理于人物画方面的，就是德加与雷诺阿二人。有人说这二人不属于印象派而属于后期印象派。然在其用色彩与莫奈、马奈有共通点，其线与运动的表现与后述的后期印象派相近。说是前后印象派中间的桥梁，大概较为适当。

1.德加（Hillaire Germain Edgar Degas，1843—1917） 是有名的舞女画家。生于巴黎，起初入其地的美术学校，与一般画学生同样的向卢浮宫美术馆练习摹写。后来旅行意大利、美利坚。其最初出品于Salon是在1865年，作品是题曰《中世纪的战争的光景》的一幅色粉笔画。自此以后他非常欢喜色粉笔画（Pastel）了。明年出品的是《竞马图》，均得好评。但这时候他还全然不是印象派的画家。1868年，他描剧中的一个舞女的肖像，出品于Salon，这便是支配他的一生涯的舞女画的最初。他所描的舞女，态度千变万化，且常常捉住瞬间的活动的刹那的光景而表现出。他的全生涯的作品，以舞女为最有名。

德加是描写女性的专家，他每夜出入于歌剧场、舞蹈场；然而他的性质是一非常的“厌世家”，这是很不可思议的事。因有这奇特的性情，故他的特色，是作者常常立在客观的地位，而冷静地观察对象，而其所观察的对象不是静止的事象，而是运动的、激烈动作的、一瞬间的姿态，用轻快鲜明温暖的色彩，作印象的表现。他的所以为印象派画家，就在于此。某评家谓马奈、莫奈、德加是印象派三元老，而指毕沙罗、西斯莱、雷诺阿为印象派盛期三大家。

《露台上的女人》（Woman on the Terrace），德加创作于1877年，现藏于法国巴黎卢浮宫博物馆

《芭蕾排练》（Rehearsa of the Ballet），德加创作于1874年，现藏于英国格拉斯哥美术博物馆

2.雷诺阿（Auguste Renoir，1814—1920） 比较德加，为贵族的人物画家，他的肖像画颇使中产阶级爱好，当时有大名的歌剧改革者瓦格纳（Wagner）曾经为他做半小时的模特，请他画一幅肖像画。他是长于描写女性的肉体的画家，甘美而有力。他的父亲是裁缝师，他幼时在亲戚家做手工艺，后来以画瓷陶器为业。十八岁以后，为天才所驱，出巴黎从师，与莫奈、西斯莱相知交。1863年以后，他描写浪漫派的绘画，出品于Salon，然屡次落选。后受友人的影响，改变方针，试描外光，就渐渐为世所知名。中年以后特别欢喜描女性的肉体，以此成名为世界的大家。

某评家说：“德加描写华丽的舞女，而自己常常板着厌世的脸孔；雷诺亚是女性的肉体的赞美者，又是受自己所描的温软的肉感的诱惑的乐天家。”雷诺亚在印象派画家中，实在是过于接近对象，而不脱陶醉的、浪漫派的范围内的人。德加只表现肉体的运动的瞬间；雷诺阿则对于肉体的静止低徊吟味，而心醉于其中。他的表现不是轻快淡美，是黏润而有弹力。

《包厢》（La Loge），雷诺阿创作于1874年，现藏于英国伦敦考陶德艺术学院

上一讲与这一讲所述的印象派画家，概括列表如下：

这印象派的主张的彻底，即色彩表现的彻底的科学化，是所谓“新印象派”，又名“点彩派”，这一派为印象主义的穷途。起而取代它的便是“后期印象派”。待在次讲中再说。